“La Mode au Moyen Âge”, Paris, Tour Jean sans Peur, 11/05/2016 – 15/01/2017

Exposition “La Mode au Moyen-Âge” à la Tour Jean sans Peur.

            Proposant de retracer l’évolution des goûts de la société médiévale en matière de mode, l’exposition s’intéresse plus particulièrement à l’attention de plus en plus prononcée que l’élite aristocratique porte à l’image qu’elle donne à voir d’elle-même. À travers une progression thématique et diachronique, articulée autour de panneaux explicatifs et de reconstitutions de quelques costumes, le parcours offre un large panorama des phénomènes de mode médiévaux. À la manière d’une histoire de la mode, l’exposition fait montre de cohérence et d’une indéniable intention pédagogique, ambitionnant d’effectuer la synthèse des différents aspects de la thématique, dont elle envisage les enjeux esthétiques, sociaux, économiques et symboliques. En suivant ainsi différents « fils », le parcours souligne l’importance du vêtement dans la vie quotidienne du Moyen Âge, et interroge la façon dont l’habit peut définir la place de chacun dans la collectivité, tout en questionnant le rôle qu’occupe la vêture dans la définition de l’identité individuelle.

            L’objectif premier de l’exposition consiste à dégager les problématiques esthétiques qui régissent l’évolution des modes médiévales. On revient ainsi sur l’importance de la « révolution » vestimentaire à laquelle assiste le XIVe siècle, qui résulte notamment, dans le vestiaire masculin, de la substitution du costume court, hérité du vêtement militaire, à l’ancien costume long, et de la différence de plus en plus accentuée des habits selon le genre. Plus globalement, en rappelant la manière et les matières dont les vêtements sont faits (fourrures et velours, jeux de fentes et jeux de manches…), il est mis en lumière combien l’homme du Moyen Âge cherche à embellir sa silhouette, à travailler les volumes de son corps et à en redéfinir les limites.

            Le parallèle qu’esquisse par ailleurs l’exposition entre enjeux éthiques et esthétiques de la mode médiévale paraît particulièrement pertinent. Sont ainsi rappelées les diatribes des prédicateurs et des moralisateurs qui voient souvent d’un mauvais œil le goût des élites médiévales pour l’extravagance de la vêture. Évoquant également les lois somptuaires, l’exposition accentue ce que l’on serait tenté d’appeler un principe d’action/réaction : les autorités laïques ou religieuses cherchent systématiquement à codifier l’émergence d’innovations vestimentaires qui prennent de plus en plus de libertés vis-à-vis des conventions sociales.

            De fait, les modes médiévales obéissent à des codifications socio-culturelles et ne résultent pas de simples caprices du goût. Le vêtement revêt en effet une forte importance sociale, en tant qu’il rend visible la place de chacun dans la communauté : paré, le corps physique est positionné au sein du corps social. L’exposition dégage donc le rôle démarcatif de l’habit, en mettant en avant le fait que cette fonction distinctive se joue davantage au niveau collectif qu’individuel. Le parcours proposé tend ainsi à prouver que le vêtement permet moins de rendre unique un individu que d’unifier un groupe social, il souligne que la mode médiévale rend visible l’appartenance, que celle-ci soit générique, sociale, professionnelle, territoriale… Ainsi, la mode se place surtout au service d’une lisibilité sociale, dans la mesure où ce que l’on vêt dit ce que l’on est, non en tant que singularité mais en tant qu’élément d’une pluralité homogène. L’embellissement de la silhouette autorisé par l’inventivité de la mode médiévale permet certes de se faire remarquer, admirer, désirer, mais ne doit pas constituer une transgression de l’homogénéité d’une collectivité. En un mot, l’habit que le corps arbore engendre certes une nouvelle présence au monde, mais démarque moins qu’il n’incorpore.

            L’exposition multiplie ainsi les exemples de la dimension taxinomique de la mode médiévale qui participe d’une classification sociale. Les deux distinctions paradigmatiques qu’établit le vêtement au Moyen Âge sont logiquement d’ordre générique et économique. Grâce à l’habit, l’homme se distingue de la femme, le riche du moins riche, et l’on est tenté de dire que selon que vous serez puissant ou misérable, les vêtements de cour vous pareront d’or ou de hardes. Plus encore, les frontières vestimentaires se dessinent entre les différentes classes d’âge, la jeunesse jouant souvent le rôle « d’avant-garde » dans la manière de se vêtir, et entre les différentes origines géographiques, l’exposition retranscrivant brièvement certains particularismes vestimentaires propres à chaque pays, voire à chaque région française. La livrée, qui vient uniformiser et rendre reconnaissables les membres d’une même maison seigneuriale, est en outre évoquée à bon escient. Reflétant l’appartenance à une communauté, le vêtement est donc signe inclusif.

            Néanmoins, il peut aussi se définir comme « marque des bannis », en signalant l’individu comme exception, c’est-à-dire comme membre d’une minorité. Ici, l’habit est donc à la fois signe exclusif vis-à-vis d’une majorité et signe inclusif vis-à-vis d’une minorité, participant de fait à un ostracisme social courant au Moyen Âge. En effet, certains accessoires sont imposés aux membres de minorités non-chrétiennes (juifs et musulmans principalement), ou de minorité « morales » (les prostituées, qui ne peuvent porter de voile ou de couvre-chef, et les proxénètes). Notons qu’ici encore la stigmatisation semble plus collective qu’individuelle : l’individu est rejeté au titre de son appartenance à une communauté, dans une sorte de rapport synecdochique.

            La mode médiévale est-elle alors absolument rétive à tout processus d’individuation ? Les seuls individus cités par l’exposition sont les personnes royales, qui se singularisent grâce à des vêtements remarquables de beauté et de richesse, mais l’enjeu n’est pas tant d’individualiser le monarque que de souligner sa fonction royale. En revanche, il semble que le vêtement puisse être envisagé comme outil d’individuation lorsque sa médiation se double d’un marqueur d’identité, pictural et/ou scriptural. C’est le cas des vêtements qui portent une devise, pouvant allier le motif et le mot, l’image et la sentence, élément évoqué peut-être trop rapidement dans le parcours de l’exposition. Parfois énigmatiques, ces devises, censées éclairer l’état d’esprit, le caractère, la ligne de vie du porteur, peuvent être de véritables codes à déchiffrer, et présentent souvent un caractère ludique (est cité l’exemple de Jean de Berry, qui porte la double devise de l’ours-cygne renvoyant au saint patron de son duché, Ursin). La médiation est bel et bien dédoublée : le vêtement en lui-même indique l’appartenance à l’élite aristocratique, tandis que le signe revendique une spécificité propre au porteur. C’est en tant que support que le vêtement individualise, et la surface peut alors dire la profondeur de l’individu. Néanmoins, l’exposition souligne que les devises sont de « véritables outils de communication » : ce qui pourrait être considéré comme le résumé d’une individualité est avant tout le résultat de la volonté qu’un personnage a de s’exposer et de transmettre une image publique de lui-même. Si le vêtement contribue ici à l’individuation, il ne semble pas nécessairement dévoiler la vérité intime de son propriétaire.

            D’un point de vue général, si on regrette l’absence d’œuvres artistiques venant enrichir le propos et la modestie de la muséographie proposée par la Tour Jean sans Peur, on reconnaît la richesse et l’efficacité de la synthèse proposée, synthèse qui, suivant une logique principalement socio-historique, n’oublie pas de s’intéresser aux fonctions économiques et diplomatiques du vêtement médiéval. On apprécie, à ce propos, le rappel de l’élégance dont rivalisent les souverains à l’occasion des démonstrations politiques, ainsi que la mention des nombreux métiers (tailleurs, petites mains, pelletier, chaussetier…) qui vivent des différents circuits transactionnels du textile (achat, don, mise en gage).

            L’exposition rappelle donc, avec raison, l’importance fondamentale de la période médiévale en matière d’histoire de la mode, la fin du Moyen Âge voyant éclore de nouveaux phénomènes et de véritables habitus vestimentaires qui semblent annoncer le raffinement suprême du siècle à venir. Le XVIe siècle, en effet, pousse le luxe à l’extrême et, par une élégance paroxystique, cherche à atteindre l’idéal d’une beauté humaine reposant sur une parfaite géométrie des corps (du côté du vestiaire féminin, on pense notamment à l’usage des vertugadins et des buscs qui remodèlent véritablement la silhouette). La mode est alors au service de la rectitude de corps en constante performance, sous contrôle permanent. De fait, le déploiement des élégances s’inscrit dans une morale courtisane, déjà en germe au XVe siècle, et qui va progressivement être théorisée – notamment par Castiglione – à mesure que la figure de l’homme de cour supplante définitivement celle du chevalier.

            Mais, si les tendances du crépuscule médiéval semblent augurer celles de l’aurore humaniste, les pratiques vestimentaires subissent à cette période un infléchissement considérable qu’il ne faudrait pas négliger. En effet, ce déchaînement des élégances – cette « maladie du paraître », selon les mots d’Agrippa d’Aubigné dans Les Aventures du baron de Faeneste – entraîne de multiples glissements qui vont conduire le vêtement à brouiller les hiérarchies sociales. Le XVIe siècle voit ainsi le bourgeois se vêtir comme l’aristocrate et l’aristocrate se vêtir comme le roi. Aussi l’habit fait-il de moins en moins le moine et prend-il le risque de ne plus distinguer les uns et les autres : le costume voile l’architecture de la communauté et participe d’une certaine opacité sociale. Cette tendance semble en outre accentuée par l’amorce d’une modification de l’équilibre entre le nous et le je au sein de la sphère sociale, le vêtement se définissant, de façon de plus en plus prononcée, comme l’expression de la singularité individuelle de son porteur. Là est peut-être la rupture majeure d’avec le Moyen Âge, ère holiste où le nous du corps social l’emportait encore. Alors que jusqu’ici le vêtement marquait la ressemblance ou la dissemblance vis à vis d’une collectivité – majoritaire ou minoritaire –, la Renaissance et l’humanisme vont voir l’essor du corps individuel, paré de vêtements qui vont de plus en plus marquer la volonté, non de se fondre dans la masse, mais de s’en extraire.

Tristan Fourré.

Université de Nantes.

Commissaire de l’exposition : Nadège Gauffre Fayole

Coordination : Agnès Lavoye, Rémi Rivière.

Tour Jean sans Peur

Un couple d’élégants au début du XVe siècle (Épître d’Othéa, Christine de Pizan)